Simone Rocha da Conceição
(in)tensões
20/03/2010 a 10/04/2010

Intenções

Texto por Ana Zavadil *

O fio condutor dos trabalhos de Simone Rocha da Conceição é o antagonismo, ou seja, as forças opostas que compõem os seus desenhos. As duas séries apresentadas na exposição (In) tensões refletem a busca pelas relações de oposição que podem ser percebidas tanto no modo de realizar o trabalho quanto no produto final.

Seus trabalhos são exibidos da seguinte maneira: cada série está em uma parede lado a lado e em prateleiras. Os desenhos das prateleiras estão dobrados sobre si, o que nos permite absorver os seus conteúdos, também, de formas distintas.

A primeira série são as frottages, que sustentam o vigor colocado sobre o ato de imprimir a imagem no papel. A obra percebida possui evidentes contrastes entre o preto e o branco, nos possibilitando sentir a força colocada sobre o lápis para a obtenção desse resultado. Nota-se, de imediato, a relação dinâmica entre o fazer e o seu resultado. O atrito do lápis sobre o papel gera rasgos ou manchas devido à força do gesto. Essas cicatrizes integram o trabalho, pois os acasos fazem parte do processo.

A segunda série nos indica um desenho leve e orgânico, em que o gesto vai solto, traçando linhas feitas de água que depois se tornam o caminho por onde vai deslizar o nanquim ora criando campos mais densos, ora mais leves. O preto vai se espalhando até atingir nuances claras e chegar ao quase branco.

Essas duas séries são apresentadas sobre prateleiras sequencialmente dobradas, formando ângulos retos. Aqui, o acontecimento é decididamente espacial – imagem e jogo – uma vez que o olhar é oblíquo e busca as formas que se escondem atrás de uma dobra. No entre – dobras que causam estranhamento ao olhar curioso – os ângulos são contornados na ânsia de capturar toda a imagem, não se fixando mais na paisagem do espaço-fragmento, mas, sim, nos interstícios. E o mais curioso é que esse desenho dobrado sobre si causa a quebra do espaço em fragmentos fazendo do movimento do observador o seu aliado para novas percepções.

Os trabalhos de Simone Rocha da Conceição instigam essa passagem de uma percepção a outra, porque o vemos ora inteiro, ora fragmentado. No primeiro caso, os contrastes são mais evidentes, no segundo, a dobra causa tensões espaciais significativas, transforma o nosso olhar e, assim, o espaço se faz tempo.

Os trabalhos apontam para experimentações sensíveis visando a caminhos que partam do referencial do desenho para renovar desafios na intenção de construir e registrar o momento poético de Simone.

* Ana Zavadil, mestranda em Artes Visuais pela UFSM

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Quatro encontros de três horas por mês onde o aluno desenvolve uma linha de trabalho interligando as três técnicas e vivenciando a prática de atelier.

2. Curso preparatório para a prova específica para ingresso no curso de Artes Visuais do Instituto de Artes da UFRGS

Quatro encontros de três horas por mês.

3. Curso de desenho da figura humana com modelo vivo.

Um encontro semanal de três horas.

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O desenho construindo o olhar sobre a cidade

Texto por  Ana Zavadil

O olhar como um observatório instável da existência. E a existência é frágil e passageira, uma conversa inesgotável com a finitude, que por vezes deixa suas marcas nos papéis e nas nuvens, no coração ou na memória.
Hélio Fervenza

A grande fotografia em preto e branco suscita questionamentos, está aberta às percepções e reclama pela atenção do observador. Instalada na parede “Junto à Janela” do “Atelier Jabutipê” ela propõe diálogos com este espaço e com outro: os de dentro da própria imagem que indicam a espacialidade compartilhada e a reflexão sobre a efemeridade do mundo que nos cerca. A transitoriedade, a impermanência e a fragilidade dos seres e coisas são eternizadas pelas fotografias de Fernanda Manéa, quando ela traz um recorte de tempo que sugere pensamentos e considerações, pois tudo o que deseja através de suas intervenções é chamar a atenção para o lugar onde os desenhos estão inseridos. Sendo uma desenhista acredita que o desenho seja gesto e ação, por meio de sua materialidade e qualidades inerentes, seja o instaurador das experiências de transitoriedade e interação com o observador.

O processo criativo inclui o material, o imaterial e o próprio observador numa conexão entre o corpo, o espaço e o tempo, onde a fotografia, o desenho e a intervenção são elementos conectados dando origem ao trabalho final.

A apurada aplicação de técnicas no desenho e na fotografia causam uma simbiose de imagens que aparentemente se contrapõem: o desenho de pés na paisagem urbana mistura-se a ela e dialoga com o seu entorno, pois ele é ação e transgressão e está ali para gerar novos significados. A fotografia é usada como meio e fim ao mesmo tempo. Como meio, pois registra o local da ação e como fim quando ela é a obra em si, já com o resultado da intervenção na sua nova realidade urbana.

Ao inscrever o desenho no espaço público ele se torna de todos e de ninguém, pois passa a incorporar este lugar devendo interagir com ele, resignificando-o e, com o observador, porque a obra só acontece plenamente a partir do ato interativo. O desenho, como metáfora da passagem do tempo sobre as coisas do mundo, é desconstruído pela irreversibilidade do tempo, assim como o lugar que o recebe. A sua existência, no entanto, alcança os objetivos e questionamentos no que diz respeito ao olhar do outro sobre a cidade. O papel da fotografia está na ação oposta: enquanto o desenho e o lugar se esvaem ela é o elo que perpetua a memória guardando os vestígios da cidade e do desenho em suas relações intrínsecas.

O local para a instauração dos desenhos é escolhido pela condição de precariedade que apresenta, pois está em ruínas ou em processo de demolição. Em meio à trama urbana, esses lugares que faziam parte da arquitetura da cidade, hoje não passam de corpos abandonados ao seu destino onde o estranhamento e a indiferença são tudo o que resta.

E para finalizar, parafraseando Fernanda Manéa, o mais importante não é a bela imagem produzida no final do processo poético, mas a constatação sobre a fragilidade das coisas: o ciclo de construção/destruição e renovação/esquecimento. A perenidade de seu desenho não a incomoda porque o seu significado está no que ele suscita enquanto existe.

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Novos desenhos no novo atelier

Texto por Ana Zavadil

Tal como o fluxo contínuo do rio de Heráclito, nunca se desenha o mesmo desenho, nunca o traço da linha será igual. Em permanente mutação, a natureza do desenho é sempre a mesma e sempre outra.
Edith Derdyk

O desenho e a escultura de Antônio Augusto Bueno apresentam-se em novas tramas de singular beleza e tanto numa linguagem como na outra as linhas constituem a essência da composição.

A exposição que relaciona os novos trabalhos ao novo espaço expositivo foi construída no decorrer do último ano. Este novo lugar: o Atelier Jabutipê abriga a multiplicidade de trabalhos em desenho sutilmente reinventados e abre as portas para a socialização da arte e para a renovação do circuito artístico. Em suas proposições focaliza o jovem artista nas experimentações, projeta nichos de ensino, de debate, de produção e de circulação de obras.

A condição de trabalhar em um espaço maior e a liberdade de poder deixar vários desenhos em andamento trouxeram uma dinâmica diferente ao modo de perceber e realizar a sua poética. Ao mesmo tempo em que o artista desenha sobre tecido ou papel no chão do atelier, sobre a mesa realiza desenhos em pequenos formatos. As manchas aguadas descansam e são absorvidas pelo papel e/ou tecido e a linha costura as formas sobre elas; interpenetram-se; dialogam; espalham-se, desafiam nossos sentidos.

Neste caminho de sentidos, em meio às tramas de grafite, descobrimos campos de silêncios e de cores, antes pouco usados por Antônio. As linhas que rompem, tecem ritmos, contornam, vão e voltam impalpáveis sobre o suporte constroem o desenho do artista e se vestem no plano de sutis armadilhas: deixa-se ver como volume, delineando tessituras, enquanto desdobram-se no espaço. Deparamos-nos com afinidades, repetições e diferenças em paisagens onde a linha do desenho é o fio condutor para a escultura, ou seja, a linha mostra-se como matéria sobre o plano ou como matéria expandida no espaço, tendo o óxido de ferro (que dá cor ao desenho) como o elemento responsável pela ferrugem nos arames das esculturas.

Antônio propõe um novo olhar sobre as obras e nos convida a fazê-lo nesta primeira mostra que preparou criteriosamente, pois os trabalhos, em sua grande maioria, foram realizados para o local com o desejo de instaurar um espaço de reflexão ao estabelecer a relação do artista com o lugar e as interações entre a obra, o espaço, o sujeito e o tempo de fruição.

* Mestranda em Artes Visuais – Arte e Cultura pela UFSM.

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Com relação à fachada da casa sempre tive a preocupação de preservar suas características originais, salientando determinados detalhes da época da construção, embora tivesse que adaptá-la a determinadas exigências de hoje, como relógios de medição de água, luz, e etc.

Desde o começo, ou melhor, muito antes de encontrar o novo espaço, venho conversando com Luís Filipe (meu irmão) – via internet, pelo telefone ou em suas vindas à Porto Alegre – como seriam as possíveis atividades do atelier: quem sabe agradáveis bate papos em finais de tarde de alguns premiados sábados, de vez em quando exposições de jovens e desconhecidos artistas, projeções de filmes, cursos livres, workshops, e até talvez… o plantio de um Ipê Amarelo.

Na virada do ano, comecei a mudança. “Devagarinho”, na mochila, em vários fretes, e em muitas caronas fui levando para o novo atelier desenhos e esculturas que havia deixado em meus dois antigos locais de trabalho, que sempre dividi com colegas, o da João Alfredo (onde fiquei de 2000 a 2007) e o da Subterrânea (onde trabalhei em 2007 e 2008), além de muita coisa que com o passar do tempo fui guardando dentro de gavetas, em cima de roupeiros, em baixo da cama.

Do início de agosto até o final de dezembro entrei em uma verdadeira gincana! Cada dia realizando uma nova tarefa, fui me familiarizando com o universo de ferragens e madeireiras, enquanto as equipes do Seu Nilson e Seu Roberto botavam a mão na massa… Novas idéias foram surgindo no meio do caminho, e assim aos poucos a velha casa foi se transformando.

A partir do dia sete de sete, comecei a ir diariamente a uma daquelas três casinhas (a de número 195), que já estava prestes a se tornar o novo atelier. Muitas vezes na companhia de minha Mãe, ficávamos “bolando” o que fazer naquela carcaça – paredes e telhados – sem instalação elétrica nem hidráulica e muito menos a instalação artística. “Meio” perdido entre o que o antigo proprietário havia deixado: venezianas e mais venezianas… , pias e mais pias… , muita bugiganga, e a vegetação que invadia os vãos que depois passariam a ser janelas e portas, fui me acostumando com o interior daquele lugar e, com as visitas e idéias do meu tio Dino, começamos a esboçar sua reforma.

Há quase exatamente um ano atrás, em pleno verão porto-alegrense, caminhei muito pelas ruas desta cidade procurando casas com aquelas conhecidas placas de “vende-se”. Andei muito pela Cidade-Baixa (Luís Afonso, Joaquim Nabuco e João Alfredo), Azenha, Menino Deus… Sempre com minha máquina fotográfica a tiracolo, me perdia por algumas ruas conhecendo novos bares, armazéns, padarias…. Pela Borges de Medeiros entrei várias vezes na Demétrio Ribeiro e lá quase na volta da Usina do Gasômetro sempre subia até ao Alto da Bronze para depois pegar a Avenida Independência e seguir meu caminho de volta para casa. Sendo raro encontrar placas de “vende-se”, muitas vezes deixei meu olhar correr solto fazendo livres enquadramentos. E foi, por pura ironia do destino, na Rua Fernando Machado, que meus olhos por um instante pararam na frente de três casinhas, sem placa alguma de “vende-se”, mas com várias pombas pousadas em seus detalhes do começo do século passado e também em fios de luz que sob o céu propunham um possível desenho contemporâneo. Caminhando fotografei sem dar muita importância e sem sequer poder desconfiar que uma, daquelas três casas, seria hoje o meu novo atelier.